El diseño va más allá de la estética. Los entornos que creamos influyen en cómo se sienten las personas, cómo conectan entre sí y cómo se sienten parte de algo, y por eso es importante escuchar las voces que hay detrás de ellos. Ahora que el Mes del Orgullo nos invita a reflexionar sobre la representación en todos los sectores, el mundo del mobiliario y el diseño tiene la oportunidad de reconocer a los creativos LGBTQ+ que siguen desafiando las convenciones, aportando nuevas perspectivas y ampliando los límites de lo que puede ser el diseño.
Nos reunimos con Kevin Craig, asesor de mobiliario (A&D) en Tsunami Axis, para hablar sobre la importancia de promover el talento LGBTQ+, los diseñadores que le inspiran en la actualidad y lo que el sector del interiorismo comercial puede aprender de un enfoque del diseño más curioso, expresivo e inclusivo.
Desde tu punto de vista, ¿por qué es importante que el mundo del mobiliario y el diseño siga defendiendo las voces y el talento de la comunidad LGBTQ+?
El mundo del mobiliario y el diseño está intrínsecamente centrado en las personas. Los entornos que creamos deben reflejar la diversidad de quienes los utilizan. Al dar mayor visibilidad a las perspectivas LGBTQ+, nos aseguramos de que los espacios no solo sean funcionales y bonitos, sino también inclusivos, representativos y verdaderamente acogedores.
Y lo que es más importante, la diversidad de opiniones da lugar a mejores resultados en el diseño. Las diferentes experiencias vividas aportan nuevas formas de pensar, cuestionan los supuestos y hacen que el sector avance tanto en el plano creativo como en el cultural. Sin ello, el diseño corre el riesgo de volverse repetitivo, excluyente o desconectado de las personas a las que sirve.
También hay una cuestión de responsabilidad. Como sector que influye en la cultura laboral, las experiencias de hospitalidad y los espacios públicos, contamos con una plataforma para normalizar la inclusión. Defender el talento LGBTQ+ no se limita a la visibilidad durante el Mes del Orgullo, sino que consiste en crear vías de acceso, confianza y oportunidades durante todo el año. En definitiva, cuando las personas se sienten reconocidas y valoradas, dan lo mejor de sí mismas en el trabajo.
¿Influye alguna vez tu propia experiencia vital en la forma en que reaccionas ante una obra de diseño o en los diseñadores por los que te sientes atraído?
El diseño nunca es neutro. Nuestras experiencias personales determinan inevitablemente lo que nos llega al corazón. A menudo me atraen los diseñadores que crean con claridad y un fuerte sentido de identidad, obras que transmiten reflexión, inclusión y humanidad. Por lo general, los espacios y productos que más me marcan son aquellos que van más allá de la estética y comprenden de verdad cómo viven, trabajan y se relacionan las personas. Esa perspectiva no es casual, sino que surge de la experiencia vivida, y es lo que hace que el diseño siga evolucionando.
¿Qué diseñadores que trabajan dentro de la comunidad de diseño queer o en colaboración con ella crees que están realizando algunos de los trabajos más interesantes en este momento, y qué es lo que más te llama la atención de su enfoque?
Diseñadores como Tino Seubert y Germans Ermičs están realizando, en mi opinión, algunos de los trabajos más interesantes del momento. Los muebles de Tino suelen explorar la relación entre los materiales industriales y los artesanales, mientras que Germans se ha dado a conocer por su uso característico del cristal de colores en piezas como su Where the Rainbow Ends —un pabellón de cristal teñido con los colores del arcoíris creado para conmemorar el 50.º aniversario de la Rebelión de Stonewall— y sus Ombre Glass Chairs, en las que el color, la luz y la materialidad se combinan para transformar nuestra percepción de formas familiares.
Tanto Tino como Germans muestran una voluntad de llevar los materiales más allá de su lenguaje «habitual» para suavizarlos, distorsionarlos o replantearlos y convertirlos en algo más expresivo. Esto refleja la idea de que la identidad no es fija ni única: puede ser fluida, tener múltiples capas y ser rotundamente individual.
Gabriel Hendifar, propietario y director creativo de Apparatus, es otro diseñador que crea colecciones elaboradas con esmero, en las que se fusionan materiales sensuales con detalles acabados a mano para equilibrar la mecanización con la irregularidad expresiva de la mano humana.
Para mí, son diseñadores como estos los que consiguen que los objetos tengan un carácter distintivo: un diseño que no solo está bien hecho, sino que está profundamente meditado en cuanto a cómo expresa la diferencia y desafía lo esperado. Lo que destaca es una auténtica sensación de libertad en el tratamiento de los materiales, casi un rechazo a dejarse definir por las expectativas.
2LG Studio ha estado promoviendo y dando visibilidad de forma activa a otros diseñadores queer, como por ejemplo durante el LDF 2025 en su exposición «You Can Sit With Us, Green Carnation ». ¿Por qué crees que es importante ese tipo de trabajo de creación de comunidad? ¿Crees que se está dando cada vez más?
Lo que están haciendo Jordan Cluroe y Russell Whitehead en 2LG es fantástico y creo que es importante. Necesitamos que surjan más iniciativas como «The Green Carnation» en todo el sector. Este tipo de iniciativas generan visibilidad, algo que es absolutamente importante, sobre todo en un sector en el que las voces LGBTQ+ no siempre han ocupado un lugar central. Además, crean oportunidades para establecer vínculos, colaborar y descubrir nuevos talentos. Este tipo de exposiciones no solo muestran trabajos excelentes, sino que también dan pie a debates y animan al sector a replantearse la representación y la inclusión. Ayudan a generar impulso y proporcionan una plataforma que puede dar lugar a oportunidades aún mayores.
Creo que cada vez vemos más iniciativas de este tipo para fomentar el espíritu de comunidad, lo cual es realmente positivo. El siguiente paso es garantizar que esa visibilidad se mantenga más allá de esos momentos concretos. Se trata de quién recibe los encargos, quién ocupa puestos de responsabilidad y cuyo trabajo se considera comercialmente viable en el día a día. Para mí, el verdadero cambio se producirá cuando la diversidad y la visibilidad se consoliden como la norma.
2LG Studio: «Puedes sentarte con nosotros». Exposición «Green Carnation» en el LDF 2025. Fotografía de Megan Taylor.
Los interiores comerciales suelen decantarse por soluciones contrastadas y una estética familiar. Como persona que trabaja en estrecha colaboración con diseñadores de espacios de trabajo y clientes, ¿qué crees que podría aportar al sector el hecho de adoptar parte de la curiosidad, la experimentación y la individualidad que vemos en diseñadores como 2LG, Tino Seubert y Gabriel Hendifar?
Creo que ahí hay una gran oportunidad. Los interiores comerciales a veces tienden a recurrir a lo que ya está probado, pero incorporar ese nivel de curiosidad y experimentación impulsaría al sector de forma significativa. Diseñadores como estos desafían las expectativas en cuanto a los materiales y aportan un sentido de identidad más marcado a su trabajo, y eso es precisamente lo que los lugares de trabajo están empezando a necesitar cada vez más. La gente quiere entornos que resulten distintivos, humanos y atractivos, no solo eficientes. Incluso pequeños cambios en los materiales, los detalles o la expresión pueden crear espacios que resulten más inspiradores y memorables. En definitiva, apostar por esa individualidad no significa perder la funcionalidad, sino potenciarla.
Si mañana pudieras incluir un mueble de un diseñador queer en cada proyecto de espacio de trabajo, ¿cuál sería y por qué?
Sin duda, sería la mesita auxiliar ajustable de Eileen Gray. Para mí, es el equilibrio perfecto entre elegancia y funcionalidad. Es discretamente radical en su forma de replantear algo tan familiar. Tiene una ligereza y una precisión, pero también una sensación de adaptabilidad que me parece increíblemente relevante para nuestra forma de trabajar hoy en día. También me atrae la historia que hay detrás. Como diseñadora queer que trabajaba en un movimiento modernista dominado por los hombres, Gray desafió las expectativas de una forma que sigue resonando hoy en día.
Es un recordatorio de que el mejor diseño no llama la atención a gritos, sino que perdura y cambia nuestra forma de vivir sin que nos demos cuenta.
